BluesVital SeRieS de tV: Una lista que es referencia.

Siempre este tipo de listas suelen ser arbitrarias, por ello creo que no hay que tomarlas como Palabra Santa, pero hay que decirlo, es una buena referencia, y eso si, la influencia del gran pais del norte es evidente, por lo menos en este articulo cultural.

FUENTE

1. Lost (2004-2010)

Creador: J. J. Abrams

Un avión se parte al medio en el aire y los sobrevivientes caen en una isla. Quienes se salvan son misteriosos. Los habitantes del lugar lo son aún más. La isla? Bueno, la isla es el misterio hecho serie, y es un enigma que nunca termina de develarse. Lost fue pionera en lo que puede llamarse “relato vaivén”: flashbacks , flashforwards , incluso realidades alternativas. Abrams logró lo que ya había intentado en Alias , su creación anterior: conformar una mitología. Hizo que el público viera televisión de otro modo: cada capítulo duraba cuarenta minutos en pantalla, pero se extendía toda una semana, hasta el siguiente capítulo, a través de discusiones en la Web, descargas y “socialización” de los subtítulos. ¿Cuántos se volvieron adictos a las series a partir de estas seis temporadas? Muchísimos. No importa que el final no haya cerrado todas las preguntas abiertas a lo largo de los años. Lost , con sus personajes multiétnicos y sus guiños literarios, marcó un antes y un después en la televisión mundial. Si no hubiera existido, quizá listas como ésta no habrían encontrado lugar en los suplementos culturales.

2. Six feet under (2001-2005)

Creador: Alan Ball

Es la prueba más contundente para dejar sin argumentos a cualquiera que todavía llame caja boba a la televisión, la manera de probar que un programa de TV puede estar más cerca de la literatura que de American Idol . Alan Ball dio forma a la familia Fisher, integrada por una viuda y sus tres hijos adultos. Ellos se ven obligados a pelear solos por su existencia, a partir de la muerte del padre, dueño de una empresa fúnebre. Son seres grises que intentan sobrevivir a la muerte del señor Fisher organizando el duelo de los otros. Fue una serie que habló de la muerte de manera honesta, con humor negro, incluso con escenas de emoción profunda. Imposible olvidar los comienzos de cada capítulo, con la muerte del próximo cliente de los Fisher: una caída inesperada, un paro cardíaco, un accidente, un suicidio…

3. Breaking Bad (2008 hasta la actualidad )

Creador: Vince Gilligan

Gilligan fue uno de los principales guionistas de Los expedientes X . Aquí apela a una pregunta como disparador: ¿hasta dónde puede llegar un profesor de química para pagar su tratamiento contra el cáncer y cuidar a su mujer embarazada y a su hijo discapacitado? La respuesta es que puede llegar muy lejos. Incluso a producir metanfetaminas y a traficarlas. Lo hace con la ayuda de un ex alumno. Ambos son grandes personajes, complejos, abiertos a discusiones más interesantes que la dualidad entre buenos y malos. La estética de la serie es desoladora, a tono con la aridez de la historia.

4. The Wire (2002-2008)

Creador: David Simon

David Simon fue durante muchos años periodista de policiales. En colaboración con un ex policía, escribió esta historia que se mete en las entrañas del mundo de las drogas en Baltimore. The Wire bordea lo documental. Las locaciones son reales y los personajes están inspirados en seres reales. Cada temporada abarca las diferentes caras de la problemática social en los márgenes de la ciudad: la policía, el narcotráfico, las deficiencias del sistema educativo y las de los medios de comunicación, entre otros. Gris, seca, casi una autopsia del mundo marginal, es una serie indócil, que gana puntos a fuerza de realismo sucio, reflejado por un guión muy solvente.

5. Treme (2008 hasta la actualidad )

Creadores: David Simon y Eric Overmyer

Nueva Orleans ha sido arrasada por las inundaciones. La ciudad es un tendal de casas desplomadas, y así están también las vidas de sus protagonistas. Treme es un relato coral, adornado por una música embriagadora, con un capítulo piloto de casi una hora y media, de una calidad equiparable a la de un film excelente. Simon y Overmyer encontraron un tono original para relatar la lucha por la supervivencia de una población que ha sufrido una tragedia: una distancia prudencial y cierta frialdad en el trazado de sus personajes, expuestos con una mirada nueva, despojada de efectismos.

6. American Horror Story (2011; habrá una segunda temporada)

Creadores: Ryan Murphy

y Brad Falchuk

Los responsables de Glee y Nip/Tuck encontraron una mina de oro en un tema que parecía agotado: la casa embrujada. Los Harmon se instalan en el típico caserón victoriano poblado de fantasmas. Hay más: una vecina siniestra, un ama de llaves que las mujeres ven como una inocente señora y los hombres como una pérfida joven con portaligas. Harmon es un psiquiatra infiel. Su esposa, una violonchelista que acaba de perder un embarazo después del disgusto que le causó encontrar a su marido con otra. La hija de ambos, Violet, es una adolescente conflictuada. El sueño americano con gangrena. En la primera temporada, impecable, hubo sexo, violencia, drama bien tejido y horror. Habrá que ver cómo se las ingenian para seguir en la segunda temporada.

7. The Office (2001-2003)

Creadores: Ricky Gervais y Steve Merchant

Pertenece al género del mockumentary (ficción al estilo documental, en este caso, ficción bajo la estética del reality show ). El inglés Ricky Gervais lo hizo: junto con Merchant, escribió, dirigió y actuó en esta serie, tratando de derribar “la cuarta pared”. Los personajes le hablan a la cámara y cuentan cómo es su rutina en la empresa de papel para la que trabajan. A partir del The Office original nacieron réplicas alrededor del mundo. La más exitosa lleva siete temporadas en Estados Unidos. Gervais siguió con su línea y prolongó su humor agrio y políticamente incorrecto en sus otras dos creaciones: Extras y la más nueva, A Short Story , protagonizada por un enano. El toque de gracia es el recurso de la vergüenza ajena al servicio de una comedia que causó impacto en sus dos temporadas y en un especial de Navidad.

8. Arrested Development (2003-2006)

Creador: Mitchell Hurwitz

Los Bluth siempre fueron millonarios y Michael, el hijo mayor, siempre hizo lo que consideró correcto: trabajó a la par de su padre con la esperanza de sucederlo algún día en la dirección de la empresa familiar. Sin embargo, cuando esto ocurre, no todo sucede como él lo esperaba: queda al frente de la empresa, pero porque su padre va preso por fraude. Él debe hacerse cargo de su madre y de sus hermanos, especialistas en malgastar el dinero heredado. Arrested Development duró sólo tres temporadas, pero fueron más que suficientes para lucir su aceitado mecanismo, con autorreferencias, metalenguaje y un uso interesante de la voz en off . Como serie, fue buena alumna de Los Simpsons , pero con menos miramientos a la hora de dejar en ridículo eso que en la serie animada siempre rescatan al final: la familia, una institución que aquí desnuda sus peores miserias.

9. Mad Men (2007 hasta la actualidad)

Creador: Matthew Weiner

Un culebrón de lujo, ideado por el productor de Los Soprano . Es la historia de Don Draper, el publicista estrella de la firma Sterling Cooper. Una historia sólida y clásica, narrada con precisión, con grandes actuaciones y un trazado impecable de los personajes. La trama gira alrededor de un puñado de líneas atractivas: la familia de Don, sus compañeros de trabajo y Peggie, la chica que pasa de secretaria a publicista y se transforma en pionera en una oficina en la que las damas no son creativas y sólo apuntan al buen sueldo de una recepcionista de lujo. Después de Mad Men varios programas intentaron la reconstrucción de época, pero no consiguieron siquiera acercarse a la calidad de esta serie. En ella, la recreación de otros tiempos es una excusa para contar una historia y no un objetivo en sí misma.

10. Dexter (2006 hasta la actualidad)

Creador: James Manos

¿Qué sería de esta serie sin la actuación de Michael C. Hall, su protagonista? Quizás apenas una más, un policial cualquiera. Pero la salva el actor de Six Feet Under . Él compone a Dexter, un asesino que actúa como justiciero anónimo para encauzar su sed de muerte en una especie de servicio público. Dexter trabaja como forense especializado en analizar salpicaduras de sangre, en un cuartel de la policía de Miami. De día, es un ser introvertido, con pulcritud obsesiva y fragilidad extrema. De noche, deja fluir su instinto depredador cazando a otros asesinos. La serie plantea conflictos éticos: el asesino genera empatía, la justicia por mano propia es llevada al extremo? La última temporada no está a la altura de sus predecesoras. Antes, se había superado año tras año.

BluesVitaL CiNe: Martin Scorsese sobre Hugo

Entrevista al gran director sobre su ultima pelicula, a horas de la entrega de los premios Oscar, de los cuales, éste film está nominado en once rubros.

FUENTE
Seguramente el gran maestro del cine jamás imaginó que su primer filme infantil terminaría liderando la competencia por el Oscar con 11 nominaciones, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Realizada en parte para contentar a su hija de 12 años y en parte a su propio niño interior, ‘La invención de Hugo’ aprovecha al máximo las nuevas tecnologías en una clara demostración de que, próximo a cumplir los 70 años, Martin Scorsese no se conforma con su sitial como uno de los realizadores mas celebrados del planeta

Ha dicho que se sintió conectado con la historia que cuenta “La invención de Hugo” por la soledad en la que vive el niño. ¿Cual es la raiz de esa conexión?
Me refería a mi niñez, porque cuando tenía tres años me diagnosticaron asma. Era 1945 o 1946 y mis padres me aislaron del mundo. Ellos no sabían que hacer conmigo. Yo no podía hacer deportes, no podía correr y tampoco me podía reir, por mas ridículo que parezca. Recuerdo que tenía unos primos de mi edad, nosotros viviamos en el Lower East Side de Manhattan. Estabamos todo el tiempo en la calle pero yo no podía jugar a lo que jugaban ellos. No podía jugar al beisbol, no podía pelear como lo hacían ellos, porque eran muy bravos. Hasta que tuve quince o dieciseis años llevé una vida con muchas limitaciones. No era un niño triste, y si lo era, solo me pasaba en ocasiones, pero tuve que encontrar otras formas de expresarme. Asi fue como empecé a hacer dibujos primero y luego películas para mi como forma de entretenerme antes que mis padres volvieran de trabajar. Durante una hora y media yo estaba absolutamente solo en ese apartamento y la aprovechaba para dibujar y para hacer cosas artísticas. Lo cierto es que cuando leí La invención de Hugo Cabret, me identifiqué inmediatamente con este niño que vive escondido en la estación de tren. Me sentí muy atraido por la historia, y cuando descubrí que en el libro se cuenta como fue que se inventaron las películas, me quedé verdaderamente fascinado.

¿Diría que La invención de Hugo es un homenaje a su propia niñez?
No, no diría eso. Me entusiasmaba la historia del niño y también tratar de hacer algo que se asemejara a una película de George Melies. Debo confesar que cuando leí por primera vez el libro de Brian Selznick, no solo me impactó la historia sino también las ilustraciones. Me encanta la forma en la que el presenta las imágenes en su libro. Fue muy curioso porque el proyecto me llegó a la vez que mucha gente me decía que tenía que hacer una película que mi hija menor pudiera ver. Fue una hermosa coincidencia.

Debe de haber sido fascinante para usted el recrear como se hacían las películas de George Melies…
Por supuesto. Reconstruimos todo de acuerdo a las mismas especificaciones con las que Melies construyó su plató. La distancia entre la cámara y el escenario es la misma que usaba él. Fue muy interesante enterarme que el tenía que pintar todas las escenografías en blanco y negro y que la mayoría del vestuario que usaban en la película era en blanco y negro porque el celuloide que usaban en aquel entonces era autocromático, no trasladaba los colores al blanco y negro de una forma eficiente, por lo que él tenía que decidir de antemano como se tenían que ver las cosas en la pantalla. En cualquier caso fue muy disfrutable tener que prestarle atención a todos esos detalles porque incluso el maquillaje tenía que ser en blanco y negro.

¿Qué fue lo que mas le llamó la atención de Melies cuando investigó sobre su vida?
Que lo que se dice en el film sobre sus últimos años es verdad. Es cierto que le encontraron en la Gare du Montparnasse en 1928 en su tienda de juguetes, luego de lo cual hicieron una gala, le dieron la Legion d’honneur y sus películas comenzaron a ser restauradas. En aquel entonces solo había unas pocas pero en este momento se han recuperado unas 350. Por eso me parece tan importante el trabajo de preservar y conservar las películas en celuloide porque nadie sabe que es lo que va a pasar con el material que ahora se hace en digital.

En el film también es muy importante la escena en el reloj…
Esa es una referencia, obviamente, a las películas de Harold Lloyd, pero también a todos los otros comediantes de esa época, Chaplin, Keaton y Max Linder, que no era muy conocido en Estados Unidos pero era probablemente el mas famoso de todos en Europa en aquel entonces, y también Charlie Chase. En la película también hay referencias, para mi disfrute personal, a películas como Sur les toits de Paris de René Clement y Adieu le liberte, películas que con Dante Ferretti usamos como modelo para crear la atmósfera de París en la década del ’30.También hay referencias a “La bete humaine” de Jean Renoir en todo lo que tiene que ver con la estación de tren. El maquinista usa las mismas antiparras y el mismo cigarrillo que en La bete humaine. Son cosas que no todo el mundo va a reconocer pero que a mi me divirtieron mucho durante el rodaje de la película.

Esta es su primera película en 3D…
Si. Yo nunca pensé que iba a tener la oportunidad de utilizarlo en mis películas pero una vez que Jim Cameron hizo “Avatar todo cambió. Cuando Graham King me dio el libro de La invención de Hugo Cabret y comenzamos a hablar sobre la posibilidad de hacer la película juntos, se lo mencioné a mi hija mas chica que tenía diez en ese momento. Recuerdo que cuando se lo dije estaba con sus amigas, y todas me preguntaron si lo iba a hacer en 3D, como lo mas natural del mundo. Entonces le respondí que si, que esta si se podía hacer en 3D. Es que de verdad tenía todos los elementos: la estación de tren, los pasillos, los mecanismos del reloj, el estudio de Melies en donde se creaban todos los elementos para sus películas. Yo creo que de haber podido, el propio Melies habría hecho sus films en 3D.

 

BluesVital-CINE: A PURO TRAILER (2)

G.I. Joe 2

Nueva entrega sobre este grupo de elite que esta vez es traicionado por el mismo gobierno. Tremenda la ultima escena.

 

The Hobbit

Nuevamente  la Tierra Media, en un viaje que trasladará a Bilbo desde la Comarca hacia a la Montaña Solitaria, para acompañar a un grupo de enanos y reclamar el tesoro que mantiene bajo su control el dragón Smaug. Peter Jackson director del señor de los Anillos vuelve con la magia de ese universo literario.

Battleship

BluesVital-CINE: A PURO TRAILER

Wrath of the Titans

Esta segunda entrega, donde vemos nuevamente a Perseo, es dirigida por Jonathan Liebesman (Battle Los Angeles) y nos presentará cómo el héroe helénico deberá viajar al inframundo luego que su padre, Zeus (Liam Neeson), es raptado por Hades (Ralph Fiennes) y donde el tridente de Poseidón es sólo una de las armas celestiales que deberá conseguir para crear una mega arma. Algo así como una premisa de videojuego traspasada a la pantalla grande.

 

El Caballero de la Noche Asciende

El final de la trilogía donde Batman enfrenta a Bane, en el comic este personaje le quiebra la columna al héroe.

 

Jack The Giant Killer

La próxima película de Bryan Singer es la aventura épica de acción en 3D  Jack The Giant Killer. La paz entre humanos y gigantes se ve resquebrajada tras el rapto de una princesa, mientras un joven granjero se adentrará en el reino gigante e iniciará la misión de rescate. Una reimaginación que claramente hará uso de un cuento popular para reinventar la premisa, siendo protagonizada por Nicholas Hoult(About A Boy) en el rol mata gigantes, la película incluye un elenco que cuenta con  Bill Nighy, Stanley Tucci, en rol un tiránico rey y Ewan McGregor como el jefe de seguridad del monarca en cuestión.

 

Samurai X

Kenshin Himura es un experto espadachín quien en un pasado puso su habilidad al servicio de los Ishin Shishi (Patriotas de la Restauración) como hitokiri (asesino). Durante esta época recibió el nombre de Hitokiri Battousai (Battousai el Asesino) y fue el asesino más famoso y temido. Terminados los enfretamientos, Kenshin decide pasar al anonimato y desde entonces se convierte en un vagabundo que recorre el país ayudando a la gente como una forma de resarcirse por todas las vidas que tomó. Porta con él una sakabatou, espada donde el filo y el lado rombo están invertidos y le permite utilizar su estilo de kenjutsu, el Hiten Mitsurugi Ryü, sin riesgo de que el mismo sea mortal. Esta historia es conocida por aqui como Samurai X. Comic, animé y ahora pelicula live action.

 

 

 

 

BluesVital-CINE: JUAN PABLO ZARAMELLA

Nota de Pagina/12 a este talentoso director.

Hay mentes que aprenden a volar más allá de toda limitación. Juan Pablo Zaramella tiene una cabeza así. Arrancó casi sin plata, con plastilina y una cámara de fotos: este año uno de sus trabajos terminó preseleccionado para los Oscar. Desde sus primeras incursiones comerciales –a poco de egresar de la Escuela de Animación de Avellaneda– hasta los delirios indie que hacen alucinar a espectadores locales y extranjeros, su apetito por el riesgo no ha hecho más que acentuarse aunque, según cuenta él, su eje “siempre estuvo y seguirá estando en el placer de contar una buena historia”.

En el ambiente lo conocen: Zaramella se lanzó a hacer de las suyas con cortos que eran tan breves como sus presupuestos. El cóctel de economía de recursos, ingenio y guiones efectivos redundó en invitaciones a festivales y cientos de miles de clicks en YouTube, a lo que hay que añadir un prestigio que se fue asentando cuadro por cuadro.

–Hoy una parte de sus ingresos viene de los talleres que dicta y de las publicidades. Pero cuando hace obras “de autor”, ¿piensa en algún “público”?

–Es inevitable pensar en un público, pero también es cierta la frase “hago las películas para mí”, porque después de todo uno es el primer espectador. A veces pienso en seducir a los que usualmente no ven cine de autor, haciéndoles creer que van a ver una cosa para ir llevándolos –de a poco– hacia un lado diferente, y probarles así que hay maneras alternativas de contar.

–¿Por qué le parece interesante narrar de modo alternativo?

–El cine y la tele nos tienen acostumbrados al cliché, a lo previsible. Claro que hay innumerables opciones por explorar. Y no es fácil innovar al ciento por ciento sin dejar a los espectadores afuera, pero correrse del eje tampoco es imposible. Personalmente, yo agradezco cuando alguien se atreve a hacerlo.

No son afirmaciones dibujadas. Ya con Desafío a la muerte (2001), Zaramella puso en práctica sus obsesiones. En el corto –que puede verse por Internet–, un gurú se metía dentro de una licuadora y la encendía, esforzándose por trascender el universo físico. El personaje de plastilina quedaba hecho papilla, pero un cimbronazo narrativo sobre el final aportaba, al mismo tiempo, la prueba de que no es indispensable gastar millones en efectos especiales para ser original. Empresas como Pixar usaron la película como ejemplo de maestría. Y los siguientes pasos –entre ellos, la magistral Viaje a Marte (2005)– ratificaron la sospecha de que aquel argentino hasta entonces ignoto tenía talento en serio.

–Usted investigó mucho el cuadro por cuadro o stop motion. ¿Qué rol cumple la técnica en sus búsquedas?

–No soy muy técnico, me interesan mucho más las historias. De hecho, siento que Lapsus –mi corto de 2007– hubiera perdido sentido en el mundo del stop motion, por lo que me incliné por otras soluciones.

–Igual lo artesanal tiene su encanto…

–El stop motion nació para hacer efectos especiales cuando no había alternativas. El King Kong de 1933 usó la herramienta, por citarte un éxito. En la era de la animación digital esa tradición podría haberse agotado. Y no. Lo que ocurrió es que descubrimos que había algo entrañable en lo hecho a mano, en la textura, en la refracción de la luz sobre objetos reales. Lo imperfecto se volvía más creíble. Sin embargo, no creo que el stop motion sirva para contar cualquier historia.

–Ya que habla de contar historias, ¿cuáles son las que más lo entusiasman a usted?

–Mis influencias directas fueron Paul Driessen, Nick Park, Bill Plympton, Jan Svankmajer y Norman McLaren, entre muchos otros. Pero no soy especialmente consumidor de animación, ni siquiera se encuentra entre mis prioridades como espectador. Eso sí, Quino, Caloi y Fontanarrosa, más allá de su humor, me influyeron definitivamente. Su poder de abstracción y su lenguaje me marcaron. Por lo demás, me inspira la excelencia en cualquier campo de la creación artística. Stanley Kubrick y sus imágenes poderosas, los Beatles como encarnación de la genialidad con alcance masivo, o Picasso reinterpretando la forma.

Faquires, platos voladores, campesinos: el universo zaramelliano no se restringe a una temática. La suya es, podría afirmarse, una animación que “está de vuelta” tras haber paseado con afecto por otros territorios de la cultura. “Yo guardo los muñecos que utilizo en los rodajes –confiesa el creador–. Algún día haré una exhibición con todo ese material, pero no lo creo fundamental. Lo más importante está en las películas, que es donde los personajes están completos, con vida.”

Tan vitales son sus entornos que incontables fans le siguen los pasos como si quisieran mudarse adentro de sus paisajes. El sabe que no es el único capaz de generar eso. “En la era de la web –detalla– llegar al espectador implica ser breve y conciso. Por suerte, del país está saliendo muchísima animación independiente, y cortos como Teclópolis –de Javier Mrad y Can Can Club– o El Empleo –de Santiago Bou y Patricio Plaza– confirman el crecimiento.”

¿Para cuándo un largo? “Una vez dentro de la industria, las reglas se alteran y la competencia es enorme”, advierte el realizador. “Hacer un largo de animación de autor es dificilísimo. Tim Burton y Hayao Miyazaki lo consiguieron. Así y todo, dependés del área comercial, porque tenés que recuperar inversiones grandes. Por eso prefiero no apurarme: quiero garantizarme cierto nivel de calidad.”

FUENTE

 

BluesVital-CINE: La Campana

Se estrenó esta pelicula argentina. Acá algunas consideraciones.

¿Retrato naturalista de la vida portuaria, alegoría de los tiempos de la dictadura, relato fantástico? Ubicado en los alrededores del puerto marplatense, el primer largo de ficción de Fredy Torres (Buenos Aires, 1971) paga el precio de querer ser todo eso junto. En el centro de La campana, una premisa propia del fantástico: la existencia de una zona, en alta mar, en la que el tiempo se detiene para quien ingrese en ella. Pero esa premisa parece no importar tanto en sí misma como por el servicio alegórico que presta: la película de Torres (realizador de un lejano corto de Historias breves 2, así como del documental El Nuremberg argentino) transcurre en tiempos de dictadura, y los marineros capturados por “la campana” (nombre que la gente del lugar da a esa especie de Triángulo de las Bermudas en el Atlántico) desaparecen. Hasta que vuelven, décadas más tarde, convertidos en poco menos que fantasmas. Pero no fantasmas de cine de terror, sino gente quebrada: si algún marco trata de mantener La campana es el del realismo, como si alejarse de ello la distanciara de su referencialidad política.

MAS INFO ACA, ACA y ACA

BluesVital-CINE: The flowers of war

Hasta en un hecho tan inhumano como la matanza de Nankín (1937), en la que los invasores japoneses mataron a 300.000 chinos, en su mayoría civiles, queda un rincón para la belleza y la humanidad: es lo que propone el último film de Zhang Yimou, Las flores de la guerra (The Flowers of War es su título de distribución internacional), estrenado ayer en la capital china. La estremecedora película, la más cara de la historia de China y una de las pocas de su cine que tiene a un actor de Hollywood como protagonista (un impecable Christian Bale), ofrece lo que su título indica: flores en la guerra, personas que en medio del horror más atroz son capaces de asumir la más grande heroicidad.

El enterrador John Miller (Bale) viaja a Nankín y queda atrapado en uno de los momentos más infames de la humanidad, lo que los chinos conocen como “la violación de Nankín”, iniciada el 13 de diciembre de 1937. Miller acaba refugiado en la iglesia de un sacerdote con dos grupos de chicas bien diferentes: unas niñas huérfanas y unas prostitutas, entre ellas la bella Yu Mo (encarnada por la debutante actriz china Ni Ni), por la que el sepulturero se siente atraído.

La película –que no rehuye escenas terriblemente gráficas y sangrientas, combinadas con otras en las que Zhang Yimou vuelve a demostrar que es uno de los mejores realizadores asiáticos– va contando el paso de los protagonistas por el horror de la guerra, y cómo ésta los convierte desde seres egoístas y materiales a héroes inolvidables.

Se trata de la primera incursión en el cine bélico de Zhang Yimou, famoso en Occidente especialmente por sus películas de los ’80 y ’90 (Sorgo rojo, Ju dou, Esposas y concubinas), que lograron numerosos premios en los festivales europeos con un cine de gran sofisticación formal y temas histórico-sociales. Tras una última década de películas comerciales y con muchas artes marciales (Héroe, La casa de las dagas voladoras) y su trabajo como metteur-en-scène de la apertura de los Juegos Olímpicos de Pekín, el mago de Xian regresa a su cine más sentido, aunque ambientado esta vez en un brutal conflicto bélico.

Con todo, las trepidantes escenas de disparos y bombardeos son pocas, pero suponen los momentos más dramáticos del film, que alcanza sus tramos más terroríficos cuando retrata la rapiña del invasor japonés, que 70 años después sigue siendo para los chinos un enemigo irreconciliable con el que se asusta a los niños.

La película, que además supone un interesante regreso de Bale al tema de la invasión japonesa de China, 25 años después de haber protagonizado como niño El Imperio del Sol, bajo la dirección de Steven Spielberg, va directo al corazón del espectador, al estilo de los mejores dramas bélicos, recordando obras maestras como La lista de Schindler, de Spielberg, o El pianista, de Roman Polanski.

Bale, cuya actuación servirá para enganchar a la audiencia occidental en medio de un reparto de desconocidos actores chinos, ha estado esta semana en China para promocionar el film y hablar de él en su estreno a los medios el 11 de diciembre. La visita, sin embargo, ha tenido un lado amargo, ya que el actor intentó reunirse con un disidente chino y fue reprimido por la policía, aunque no resultó herido (ver aparte).

The Flowers of War, que dentro de una semana llega a los cines de Estados Unidos y el próximo año al resto del mundo, representará al cine chino en los próximos Oscar y se postula como firme candidata a llevarse la primera estatuilla a la mejor película extranjera para el cine chino (la laureada El tigre y el dragón, de Ang Lee, era taiwanesa). Y ya está nominada a los Globos de Oro, donde compite con La piel que habito, de Pedro Almodóvar.

FUENTE

El actor Christian Bale quiso visitar a un activista chino, detenido en su casa y le pasó esto.

HAZ CLICK ACA

BluesVital-CINE: La chica del dragón tatuado

Daniel Craig, tras luchar contra aliens, sufrir en una casa encantada, probar la “performance capture” y contraer matrimonio, culmina el año con el estreno de La chica del dragón tatuado, un filme que “captura la esencia” de la novela de Stieg Larsson “a la perfección”, según dijo. “Es muy fiel al libro”, explicó el actor de 43 años, que ha estrenado en 2011 Cowboys versus Aliens, Detrás de las paredes y Las aventuras de Tintín-El secreto del unicornio, rodada con la técnica de “performance capture” (captura de imagen por computadora). La primera parte de la trilogía Millennium llegará el 20 de diciembre a las salas de Estados Unidos en esta adaptación dirigida por David Fincher (Red social) y escrita por Steven Zaillian (La lista de Schindler), que recibió este jueves dos candidaturas a los Globos de Oro: mejor banda sonora (Trent Reznor y Atticus Ross) y mejor actriz (Rooney Mara). “A la hora de adaptarlo al cine se podían perder detalles y personajes, pero David y Steven han capturado su esencia a la perfección”, agregó Craig. La chica… se estrenará en la Argentina el 19 de enero.

“La película es testigo del nacimiento de una estrella: Rooney Mara”, admitió el actor. “Siempre supimos que iba a ser así, y su actuación es extraordinaria. Nunca tuvo miedo. Estuvo arropada por David y el resto del equipo. Se puso el personaje al hombro –explicó– y lo dio todo.” El personaje de Mara es Lisbeth Salander, una “hacker” punk con un pasado muy turbio que pasa por ser una de las grandes heroínas de la literatura popular del siglo XXI. Craig, casado desde junio con la actriz británica Rachel Weisz, da vida al periodista Mikael Blomkvist, que decide investigar por encargo una muerte sucedida cuarenta años atrás, un caso que provoca el encuentro de ambos personajes. “Generalmente esa relación no debería funcionar”, admitió el actor inglés. “Son personajes diametralmente opuestos, pero comparten un sentimiento de injusticia, de reconocer lo que es moralmente bueno y malo. Mikael ve el potencial de Lisbeth y quiere trabajar con ella, tenerla cerca porque la necesita realmente”, añadió.

El film, además, se beneficia de un reparto en el que también aparecen Christopher Plummer, Stellan Skarsgard y Robin Wright, todos muy ajustados gracias a la batuta del realizador estadounidense. “Trabajar con Fincher ha sido una de las grandes experiencias de mi carrera”, afirmó Craig. “Es uno de mis directores favoritos desde que comenzó en esto. Es de los mejores que hay en la actualidad. Vi todas sus películas e incluso sus videos musicales”, explicó el actor, que resaltó la poderosa factura técnica de la película.

La trilogía de Millennium se ha publicado en 44 países y ha vendido más de 40 millones de ejemplares en todo el mundo. En Estados Unidos se han facturado más de 10 millones de copias y antes de este film ya se había rodado una trilogía con producción sueca. “Los libros tienen seguidores en todo el mundo no por el crimen, los asesinatos o el suspenso, sino por las relaciones entre los personajes, que están descriptas de forma excepcional”, manifestó Craig. “Lisbeth es un personaje increíble: humillada y abusada toda la vida, pero capaz de salir adelante de forma valiente. Eso es lo que aviva la imaginación y las emociones de los lectores.”

La trama del film continuará con las otras dos entregas de la saga literaria si esta primera película responde a las expectativas en la taquilla, lo que supondría una nueva trilogía para Craig, algo a lo que ya está acostumbrado como James Bond. “No hay nada negativo en volver a dar vida a un personaje, todo depende de uno; el hacerlo tan fresco y original como uno pueda es el trabajo de un actor. Es el cuadro del artista y hay que recrearlo cada vez. Es un reto, pero muy atractivo”, apuntó el intérprete, que rueda actualmente Skyfall, la nueva aventura de 007 acompañado por el español Javier Bardem, que encarna a su enemigo. “Llevamos seis semanas y terminamos en mayo. Con Javier, todo genial, estoy entusiasmado de que esté en la película. Tenemos un gran guión, un elenco magnífico y estoy disfrutando muchísimo. Tenemos todos los elementos adecuados, sólo debemos juntarlos.”

FUENTE

 

ALGO DEL SOUNDTRACK

BluesVital-CINE: Ghost Rider

El nuevo trailer de Ghost Rider viene prometiendo lo que parece no es, aunque ya se tienen los primeros puntos de vista y no son nada alentadores, el nuevo trailer nos muestra prácticamente lo contrario, aunque debemos ser sinceros que de muchos años para acá, los trailers llegan a ser mucho mejores que el producto final, la apuesta de los directores Neveldine y Taylor (Crank) es poderosa hablando en cuestión de imagen y diseño de los personajes, pero sera cuestión de ver que tal le va con la historia, sin duda el trailer realmente viene muy cargado de acción, adrenalina, fuego, cadenas en llamas y persecuciones cardíacas como debe de ser al estilo de Ghost Rider.  Esta es la segunda película de la franquicia del Motorista Fantasma que está intentando sacar a flote Sony y Columbia Pictures tras una fatídica primera entrega.

 

 

ALGO DEL SOUNDTRACK

 

BLUESVITAL CINE: BARS – TERROR DEL BUENO.

Comenzó en Buenos Aires el festival conocido como Buenos Aires Rojo Sangre, ya en su edición numero 12. Con muestras de películas internacionales y especialmente una fuerte presencia latinoamericana. Entre las peliculas en competencia están Helldriver, el nuevo carnaval sangriento del director de Tokyo Gore Police, Yoshihiro Nishimura; la vuelta de tuerca definitiva al cine de fantasmas japonés con POV, de Norio Tsuruta; y la comedia negra estadounidense Chop, de Trent Haaga. Argentina estará representada por ¡Malditos Sean! –de Demián Rugna y Fabián Forte– y Plaga Zombie. Zona Mutante : Revolución Tóxica, de Hernán Sáez y Pablo Parés.

La competencia iberoamericana tendrá presencia brasileña (con películas como La Noite do Chupacabras y Pólvora Negra), chilena (con Muerte ciega) y mexicana (con Los infectados). El programador Pablo Sapere agrega que “es notable la aparición de cine de terror en cinematografías que no habíamos visitado”. En consecuencia, Costa Rica apostará por El sanatorio, una suerte de Blair Witch ambientado en un antiguo hospital. Bolivia saldrá a la cancha con Casting, una temática snuff con un juego de “el cine dentro de cine”. Y de Guatemala se seleccionó Toque de queda, una revisión del tópico zombie en clave social. “Estamos hablando de un cine que sorprende por su calidad y por su inteligencia al sintonizar las historias con la inevitable falta de recursos económicos”, describe el especialista.

FUENTE 

MAS INFO: http://rojosangre.quintadimension.com/

Algunas de la peliculas que se veran en el festival: